Biografi | Sejarah Elvis Presley

Elvis Aaron Presley (Tupelo, Mississippi, lahir 8 Januari 1935, meninggal 16 Agustus 1977), juga dikenal sebagai "Raja Rock 'n' Roll" adalah artis solo paling laris sepanjang masa mengalahkan Michael Jackson dengan tercatat menjual 189.200.000 Copy. Elvis adalah seorang penyanyi Amerika, produser lagu dan aktor, yang memulai karir musiknya di Sun Records pada musim semi tahun 1954 ketika Sam Philips mengetahui Elvis menyanyikan beberapa lagu favorit Elvis 'dengan Scotty Moore (gitar) dan Bill Black (bass). Salah satunya adalah lagu-lagu  country dan barat, "Blue Moon of Kentucky". 

Elvis Presley

Sebelum Sam Philips mengontrak Elvis untuk pemenang RCA pada tahun 1956 sebesar $ 35.000 mereka telah merekam enam single dua sisi. Masing-masing rekaman menampilkan lagu  country dan barat di satu sisi dan irama serta lagu blues di sisi lain. Salah satu alasan Elvis begitu populer adalah karena kemampuannya untuk menggabungkan atribut dari apa yang dianggap sebagai musik "White" (C & W) dan "Black" (R & B). Contoh dari hal ini jelas sekali dalam lagu hit Elvis '"Heartbreak Hotel" yang mencapai # 1 tidak hanya di tangga lagu pop, tapi R & B dan grafik C & W juga. Ini adalah pertama kalinya bahwa sebuah lagu tunggal memegang tempat # 1 dalam tiga grafik.

Elvis tetap menjadi bintang populer dan misterius. legenda Nya tumbuh kuat sejak kematiannya. Bahkan, ada kepercayaan luas bahwa Elvis, yang dikenal dengan nama depannya itu, tidak mati pada tahun 1977. Banyak penggemar bertahan dalam mengklaim ia masih hidup, bahwa ia pergi bersembunyi karena berbagai alasan. Klaim ini diduga didukung oleh ribuan penampakan Elvis yang disebut telah terjadi pada tahun-tahun sejak kematiannya, dan dengan kenyataan bahwa nama tengahnya adalah Aron salah eja yang mengeja Aaron pada batu nisannya.

Selama karier rekaman aktif yang membentang lebih dari dua dekade, Presley mengatur dan memecahkan banyak catatan untuk dua kehadiran konser dan penjualan. Beberapa rekaman mereka tercatat telah banyak cocok dan/ atau merusak beberapa artis lain, tetapi beberapa rekamannya mungkin akan tetap utuh dan / atau tak tertandingi selamanya. Dia telah memiliki lebih dari 120 single di atas  US top 40, melintasi berbagai genre musik, dengan mencapai lebih dari 20 kali menjadi nomor satu.

Elvis Aaron (kadang dieja Aron) Presley, dalam keadaan sehat lahir Vernon dan Gladys Presley tinggal di sebuah rumah dua kamar di Tupelo, Mississippi. Pada tanggal 8 Januari 1935. saudara kembarnya, Jessie Garon lahir lalu meninggal, menjadikan Elvis tumbuh sebagai anak tunggal. Dia dan orang tuanya pindah ke Memphis, Tennessee pada tahun 1948, dan Elvis lulus dari Humes High School di sana pada tahun 1953.

Biografi: pengaruh musik Elvis adalah musik pop dan country  saat itu, musik Injil ia dengar di gereja dan di Injil saat bernyanyi sepanjang malam yang sering dihadirinya, dan Balck R & B ia peroleh saat di Jalan Beale bersejarah sebagai remaja Memphis. Pada tahun 1954, ia memulai karir bernyanyi dengan label legendaris Sun Records di Memphis. Pada akhir 1955, kontrak rekaman itu dijual kepada pemenang RCA. Pada 1956, ia adalah sensasi internasional. Dengan suara dan gaya yang unik gabungan pengaruh beragamnya musik dan aliran yang tampak kabur serta melawan hambatan sosial dan rassisme pada waktu itu, ia diantar di era baru musik Amerika dan budaya populer.

Dia sukses membintangi 33 film, membuat sejarah dengan penampilan special di televisi, dan mendapat sambutan besar melalui banyak media, sering kali memecahkan rekor, pertunjukan konser tur dan di Las Vegas. Secara global, ia tercatat menjual lebih dari satu milyar, lebih dari artis lainnya. penjualan di Amerika telah menjadikan dia meraih platinum atau penghargaan multi-platinum untuk 150 album dan single yang berbeda, jauh di atas artis lainnya. Di antaranya banyak penghargaan-penghargaan, yaitu 14 nominasi Grammy (3 kemenangan) dari National Academy of Recording Arts & Sciences, Grammy Lifetime Achievement Award, yang ia terima di usia 36, dan gelar yang ia peroleh adalah “One of the Ten Outstanding Young Men of the Nation for 1970 by the United States Jaycees”. Tanpa beberapa hak istimewanya sebagai selebriti telah diberikan kepadanya kehormatan untuk melayani negaranya di Angkatan Darat Amerika Serikat.

bakatnya, baik penampilan, sensualitas, karisma, dan humor yang baik membuatnya disenangi jutaan orang, seperti halnya kebaikan dan kerendahan hati manusia, dia menunjukkannya sepanjang hidup. Dikenal di seluruh dunia dengan nama pertamanya, dia dianggap sebagai salah satu tokoh yang paling penting dari budaya populer abad kedua puluh. Masalah kesehatan, ketergantungan obat dan faktor-faktor lain dikatakan telah menyebabkan kematian dini di usia 42 di rumah nya Memphis, Graceland, pada 16 Agustus 1977.

Elvis Presley

Sejarah Reggae

Bob Marley

Reggae adalah genre musik pertama kali dikembangkan di Jamaika pada akhir tahun 1960. Meskipun kadang-kadang digunakan dalam pengertian yang lebih luas untuk merujuk pada sebagian besar jenis musik Jamaika, istilah reggae lebih baik menunjukkan gaya musik tertentu yang berasal dari pengembangan ska dan rocksteady.

Reggae didasarkan pada gaya ritmis yang ditandai dengan aksen pada off beat, yang dikenal sebagai skank tersebut. Reggae biasanya lebih lambat dari ska dan rocksteady [1]. Reggae biasanya mengaksen beat kedua dan keempat di masing-masing bar, dengan ritme gitar juga menekankan beat ketiga atau menahan akord pada ketukan kedua sampai keempat dimainkan. Dalam hal ini terutama "beat ketiga", kecepatan dan penggunaan garis bass reggae yang kompleks berbeda dari rocksteady, meskipun gaya inovasi ini kemudian dimasukkan secara terpisah.

Etimologi
Edisi tahun 1967 Kamus reggae inggris Jamaika sebagai "pengulangan pem. Sp untuk Rege.", Seperti dalam Rege-Rege, sebuah kata yang bisa berarti "kain, pakaian compang-camping" atau "pertengkaran, baris". [2] Reggae sebagai istilah musik pertama kali muncul di media cetak 1968dengan hit rocksteady "Do the Reggay" by The Maytals, tapi itu sudah digunakan di Kingston, Jamaika sebagai nama tarian lambat dan gaya rocksteady. [3 ] artis Reggae Derrick Morgan menyatakan:

"Kami tidak menyukai nama rock steady, jadi saya mencoba versi yang berbeda dari 'Fat Man'. Ini mengubah beat lagi, itu menggunakan organ creep. Bunny Lee,, produser. Dia menciptakan suara dengan organ dan ritme gitar. Ini terdengar seperti ', reggae reggae' dan nama itu kena banget. Bunny Lee mulai menggunakan kata [sic] dan ahirnya semua musisi segera mengatakan 'reggae, reggae, reggae'". [3]

Reggae sejarawan Steve Barrow membantu Eccles Clancy dengan mengubah kata streggae logat Jamaika (perempuan nakal) ke reggae [3] Namun, Toots Hibbert mengatakan:

"Ada kata yang kita gunakan untuk digunakan di Jamaika yang disebut 'streggae'. Jika seorang gadis berjalan dan orang-orang menatapnya dan berkata “Man, she's streggae" itu berarti dia tidak berpakaian dengan baik, dia tampak compang-camping. Si- Gadis bilang laki-lakinya juga begitu. Ini pagi saya dan dua teman saya sedang bermain dan saya berkata, 'OK man, mari kita lakukan reggay" Itu sesuatu yang hanya keluar dari mulut saya. Jadi kami langsung bernyanyi 'Do the reggay, lakukan reggay' dan menciptakan beat. Orang mengatakan kepada saya bahwa kita telah memberikan nama dari suara nusik itu. Sebelum itu orang menyebutnya blue-beat dan banyak lagi. Sekarang hal ini ada di Guinness World of Records" [4].

Bob Marley dikatakan telah mengklaim bahwa kata reggae berasal dari istilah Spanyol untuk "musik raja". [5] catatan liner ini dari To the King, sebuah kompilasi Christian gospel reggae, menunjukkan bahwa reggae kata berasal dari Regi latin yang berarti "to the king (untuk raja)".

 

Precursors
Meskipun sangat dipengaruhi oleh musik jazz tradisional Afrika, Amerika dan rhythm tua dan blues, reggae asal aslinya adalah dari pengembangan progresif ska dan rocksteady di tahun 1960-an Jamaika. Salah satu individu utama yang berkembang genre ini adalah Count Ossie. [6] [7]
Ska muncul di studio Jamaika sekitar 1959; itu berkembang dari genre sebelumnya yaitu genre mento [3]
Ska kenal dengan garis bass berjalan, menonjolkan irama gitar atau piano pada offbeat, dan kadang-kadang jazz seperti terompet riff. Selain menjadi popular massal dengan subkultur anak Jamaika kasar, hal itu mendapatkan pengikut yang besar di Mods di Inggris oleh 1964.

Rude Boy mulai memainkan note ska mereka dengan kecepatan setengah, lebih memilih untuk lebih lambat sebagai bagian dari gambaran gaya mereka [3] Pada pertengahan 1960-an, banyak musisi mulai memainkan tempo ska lebih lambat, sementara menekankan bass berjalan dan offbeats. . Suara lambat bernama rocksteady, setelah single oleh Alton Ellis. Fase musik Jamaika ini berlangsung hanya sampai 1968 ketika musisi mulai mempercepat tempo musik lagi, dan menambahkan namun efek yang lebih [8]. Hal ini menyebabkan terciptaan reggae.


 

History / Sejarah Reggae
Reggae dikembangkan dari ska, mento dan R & B musik di tahun 1960-an. Pergeseran dari rocksteady untuk reggae digambarkan oleh shuffle organ, yang dipelopori oleh bunny Lee dan ditampilkan di single transisi "Say What You're Saying" (1967) oleh Eccles Clancy, dan "Boy Funny People" (1968) oleh Lee "Scratch" Perry. The Pioneers' 1967 track "Long Shot Bus' Me Bet" telah diidentifikasi sebagai contoh tercatat paling awal dari suara irama baru yang dikenal sebagai reggae. [9]

Awal 1968 adalah ketika rekaman reggae asli pertama dirilis: "Nanny Goat" by Larry Marshall and "No More Heartaches" by The Beltones. Artis amerika Johnny Nash's 1968 hit "Hold Me Tight" telah dikreditkan dengan reggae menempatkan pada urutan pertama dalam tangga lagu Amerika [10]. Sekitar waktu itu, pengaruh reggae yang mulai ke permukaan dalam musik rock. Sebuah contoh dari lagu rock yang menampilkan irama reggae 1968 itu "Ob-La-Di, Ob-La-Da." oleh The Beatles [11].
The Wailers, sebuah band yang dimulai oleh Bob Marley, Peter Tosh dan Bunny Wailer pada tahun 1963, mungkin adalah band yang paling dikenal yang membuat transisi melalui semua tiga tahap awal musik populer Jamaika: ska, rocksteady dan reggae. Pionir lain reggae signifikan antara lain Prince Buster, Desmond Dekker dan Jackie Mittoo.

Bob Marley

Produsen Jamaika terkenal yang berpengaruh dalam pengembangan ska menjadi rocksteady dan reggae meliputi: Coxsone Dodd, Lee "Scratch" Perry, Leslie Kong, Duke Reid, Joe Gibbs dan King Tubby. Chris Blackwell, yang mendirikan Island Records di Jamaica 1960, dipindahkan ke England 1962, dimana dia meneruskan promosi Jamaican music. Trojan Records, didirikan oleh Lee Gopthal di 1968. Trojan merelease rekaman dari artis reggae di UK sampai 1974, ketika Saga membeli label.

Film The Harder They Come di 1972, dibintangi Jimmy Cliff, menghasilkan daya tarik cukup besar dan popularitas untuk reggae di United States, dan Eric Clapton's 1974 meng-cover lagu Bob Marley "I Shot the Sheriff" membawa reggae pada aliran utamanya.[3] pada pertengahan 1970-an, reggae diputar diradio diUK pada show John Peel', dan Peel meneruskan permainan reggae pada show-nya di sepanjang karirnya. Yang dipanggil "Golden Age of Reggae" melakukan penyesuaian untuk kejayaan aliran reggae.

Pada paruh kedua 1970-an, UK punk rock scene mulai terbentuk, dan reggae adalah pengaruh penting. Beberapa DJ memainkan lagu-lagu reggae punk selama set mereka dan beberapa band punk pengaruh reggae memasukkan ke dalam musik mereka. Pada saat yang sama, reggae mulai menikmati kebangunan rohani di Inggris yang berlanjut sampai tahun 1980-an, dicontohkan oleh kelompok-kelompok seperti Steel Pulse, Aswad,, UB40 dan Musical Youth. Artis reggae lainnya yang tergabung international appeal awal 1980an termasuk Third World, Black Uhuru dan Sugar Minott. The Grammy Awards memperkenalkan the Best Reggae Album category di 1985.

Musical characteristics
Reggae dimainkan 4/4 ketuk or swing time, karena pola berirama simetris tidak lend sendiri pada signatures yang lain seperti pada 3/4 ketuk. Harmonically, musiknya biasanya simpel, dan terkadang sepanjang lagu tidak lebih dari more satu atau 2 chords. struktur chord simple ini menambah efek hipnotis reggae.
Drum dan perkusi lainnya
Suatu standar drum kit umum digunkan di reggae, namun the snare drum di tune sangat tinggi untuk memberikan sebuah suara timbales-type. Terkadang si drummer reggae menggunakan seorang additional timbale atau high-tuned snare untuk mendapatkan suara ini. Tehnik Cross-stick pada snare drum umum digunakan, dan tom-tom drum juga tergabung dalam drumbeat itu sendiri.
Reggae drumbeats jatuh kedalam 3 kategori utama: One drop, Rockers dan Steppers. Dengan One drop, penekanan sepnuhnya pada beat ke-3 dari bar (biasanya pada snare, atau sebagai kombinasi rim shot dengan bass drum). Beat satu seluruhnya kosong, yang biasanya popular dimusik. Ada beberapa kontroversi tentang sebaiknya reggae diteruskan, jadi beat ini jatuh pada hitungan ke 3, atau jika tidak seharusnya diteruskan setengah sesuai lecepatan, sehingga jatuh pada 2 dan 4. Leroy "Horsemouth" Wallace menyebut beat ini "two-four combination". Beberapa masukan Carlton Barrett dari The Wailers sebagai pencipta gaya ini. Satu contoh dimainkan oleh Barrett dapat didengar di lagu Bob Marley dan Wailers "One Drop". Barrett yg biasa digunakan adalah sebuah triplet cross-rhythm biasa pada hi-hat, yang dapat didengar pada beberapa rekaman oleh Bob Marley and the Wailers, seperti "Running Away" pada album “Kaya“.

Drum

Sebuah Beat pada 3 beat ada dalam semua reggae drumbeats, tapi dengan beat-beat rocker, penekanan juga pada beat satu (biasanya pada bass drum). beat ini diawali oleh Sly dan Robbie, yg kemudian membantu membuat suara "Rub-a-Dub" yang sangat dipengaruhi dancehall. Contoh jadi dari gaya ini ditemukan dalam Drumming oleh Sly Dunbar pada "Right Time" oleh Mighty Diamonds. Rockers beat tidak selalu polos, dan berbagai syncopations juga dimasukkan. Sebuah vontoh dapat didengar pada lagunya Black Uhuru "Sponji Reggae."

 

Sly Dunbar 1979

Dalam Steppers, bass drum memainkan 4 beats penuh pada bar, memberikan beat sebuah insistent drive (hard terus menerus). Contohnya "Exodus" Bob Marley dan the Wailers. Sebutan yang pas lainnya dari beat Steppers adalah "four on the floor." Lagu dari Burning Spear pada 1975 "Red, Gold, and Green" (dengan Leroy Wallace pada drums) adalah contoh paling awal. Beat Steppers diadopsi (pada banyak tempo tinggi) oleh beberapa 2 Tone band pendiri ska pada ahir 1970an dan awal 1980an.

Karakteristik umum pada drum reggae adalah pada isian drum sering tidak berahir dengan sebuah klimaks cymbal. Jarak yang lebar dari masing2 perkusi instrumentation digunakan direggea. Bongos sering digunakan untuk play free, improvisasi pola, dengan heavy use dari African-style cross-rhythms. Cowbells, kastanyet and shakers cenderung memiliki peran dan suatu pola lebih.

Bass
bass guitar sering dimainkan dengan peran yang mendominasi pada reggae, dan drum berasama bass sering disebut dengan The riddim (rhythm). Beberapa penyanyi reggae telah mereleas lagu yang berbeda dari yang direkam irama dengan irama sama. Peran utama dari bass dapat sering terdengar pad music dub —yang memberikan sebuah peran besar pada baris drum dan bass, mengurangi vokal dan instrumen lainnya untuk peran perifer. Suara bass pada reggae adalah “thick” dan “heavy”, dan equalized pada frequencies tinggi dihilangkan dan frequencies rendah ditekankan. Baris bass sering simpel pada 2-bar riff yang dipusatkan nada thickest and heaviest-nya.

Robbie Shakespeare 1978

 

Aston Barret on stage 2008

 

Gitar / The guitar
Gitar pada reggae biasanya memainkan chords pada beats 2 dan 4, tokoh musik mengenal ini dengan skank atau the 'bang'. Hal ini memiliki sangat basah, pendek dan suara scratchy chop (serak), Hampir seperti instrument perkusi. Terkadang sebuah double chop digunakan ketika guitar masih memainkan beat mati (off beat), tapi juga memainkan 8 ketukan berikut pada up-stroke. Sebagai contoh pada intro di lagu "Stir It Up" oleh The Wailers. Artist dan producer Derrick Harriott mengatakan, “Yang terjadi adalah sesuatu pada music itu sangat luas, tapi hanya untuk antar orang-orang tertentu. Hal ini selalu sesuatu yang down-town, namun lebih dari dari sekedar mendengar. Peralatan sangat berkuasa dan getaran begitu kuat hingga kita terasa.” [13]

 

Al Anderson1978

 

Keyboard
Dari ahir 1960an terus sampai awal 1980an, Sebuah piano umum digunakan pada reggae untuk men-double skank rhythm guitar, memainkan chords di gaya staccato untuk menambah isi, dan memainkan beat-beat extra occasional, runs dan riffs. Bagian piano banyak diambil alih oleh synthesizer sekitar 1980an, meskipun synthesizers telah digunakan dalam sebuah peran peripheral sejak 1970an untuk memainkan melodi-melodui incidental dan melodi-melodi counter. Band-band besar dapat meliputi baik seorang additional keyboardist, untuk meng-cover atau mengganti horn/terompet dan baris melody, atau keyboardist utama mengisi peran ini pada 2 atau lebih keyboards.
reggae-organ shuffle unik untuk reggae. Secara khusus, sebuah suara gaya Hammond organ digunakan untuk bermain chords dengan sebuah rasa yang berubah (choppy feel). Hal ini dikenal dengan The bubble. Ada pengaturan drawbar spesifik digunakan pada konsol Hammond untuk mendapatkan suara yang benar. Hal ini mungkin rhythm keyboard reggae tersulit. Beat ke-8 dimainkan dengan sebuah pola space-left-right-left-space-left-right-left, dimana spaces mewakili downbeats tidak dimainkan — yaitu the left-right-left falls on the ee-and-a.

Horns/ Terompet
Bagian Horn sering digunakan di reggae, serng meminkan introductions dan counter-melodies. Instrument yang termasuk dalam khas bagian terompet reggae diantaranya saxophone, trumpet atau trombone. Dalam beberapa waktu ini, horns/ terompet sesungguhnya kadang digantikan dalan eggea dengan synthesizers atau contoh rekaman. Bagian horn sering diatur di sekitar terompet pertama, memainkan sebuah melodi simple atau counter melody. Terompet pertama biasanya ditemani oleh terompet ke-2 yang memainkan melodic phrase yang sama pada unision, satu oktaf lebhi tinggi. Terompet ke 3 biasa memainkan melody sabuah oktaf dan yang kelima lebih tinggi dari terompet pertama. horns umumnya dimainkan cukup lembut, biasanya menghasilkan suara menenangkan. Namun, terkadang punchier, frase keras yang dimainkan untuk suara lebih up-tempo dan agresif.

Vokal
vocals dalam reggae kurang khas pada genre dibandingkan instrumentation dan rhythm, seperti hamper semua lagu dapat dibawakan didalam reggae style. Meski demikian, hal ini sangat umum untuk reggae untuk dinyanyikan dalam logat Jamaika, Jamaican English, dan dialek lirik. Bagian Vocal harmony sering digunakan, baik seluruh melodi (seperti dengan bands contohnya the Mighty Diamonds), atau sebagai lagu pengiring lagu lain untuk vocal utama (seperti dengan backing group I-Threes). Reggae Inggris Steel Pulse menggunakan vokal latar sangat yang kompleks. Sebuah Aspek pada Penyanyi reggae yang banyak penyanyi menggunakan tremolo (osilasi volume) daripada vibrato (pitch oscillation). Exponen penting pada teknik ini antara lain Dennis Brown dan Horace Andy. Gaya vocal toasting ini untuk, berasal ketika DJ improvisasi selama menambahkan tracks, dan hal ini umumnya dianggap sebagai a precursor untuk Rap. Ini berbeda dari rap terutama di bahwa ini umumnya melodi, sedangkan rap umumnya lebih pada berbentuk pengucapan tanpa konten melodi.

Ali Campbell at Raggamuffin 2009

Tema lirik / Lyrical themes
Reggae terkenal karena tradisi kritik sosial dalam liriknya, meskipun beberapa lagu reggea bercerita lebih ringan, lebih pada personal subjects, Banyak band-band reggae awal Motown ditutupi atau Soul Atlantik dan lagu-lagu funk. Beberapa lirik reggae upaya untuk meningkatkan kesadaran politik dari penonton, seperti kritik mada meterialisme, atau dengan menginformasikan pendengar tentang subyek kontroversial seperti Apartheid. Beberapa lagu reggae mempromosikan untuk menggunakan Ganja (yang juga dikenal dengan herb, ganja, atau sensemilla), dianggap sebagai sakramen dalam gerakan Rastafari. Ada banyak seniman yang memanfaatkan tema-tema keagamaan dalam musik mereka — apakah itu membahas topik agama tertentu, atau hanya memberikan pujian kepada tuhan. Hal lainnya bertopik socio-political dalam lagu reggae yang termasuk black nationalism, anti-racism, anti-colonialism, anti-capitalism dan criticism dari system political dan "Babylon".

Sejarah musisi | Sejarah Musik Ainu (Jepang)

Sejarah Musik Ainu (Jepang)

   

Ainu Bernyanyi

 Musik Ainu mengacu pada tradisi musik dari orang-orang Ainu Jepang utara.
Genre yang tertua termasuk yukar, (mimikri), yang merupakan bentuk puisi epik, dan upopo, di mana "suara kontrapungtal kedua harus meniru formula musik dengan suara kontrapungtal pertama (tidak terdengar sampai saat terakhir), pada interval jauh lebih pendek dari ukuran barat, sejak bunyi kedua rumus musik diawal sebelum bunyi pertama telah selesai"(Nattiez 1990, p.71) Pelaku kontemporer paling terkenal musik Ainu tampaknya menjadi Oki revivalis.

Musik Ainu Tradisional

Tonkori Ainu

Musik Ainu membawa resonansi rohani di hampir semua bentuknya, dan memainkan peran penting baik dalam sejarah budaya dan renaisans budaya masyarakat Ainu sendiri. Hampir setiap jenis lagu Ainu dianggap suci, bahkan alat musik dikatakan memiliki jiwa (Ohnuki-Tierney 53). Musik tradisional Ainu dapat dibagi menjadi dua kelompok utama yaitu lagu sehari-hari dan lagu-lagu epik. Setiap hari lagu-lagu dalam tradisi Ainu dinyanyikan dalam banyak situasi dan secara dadakan. Mereka sering disertai oleh dua instrumen musik Ainu paling umum: tonkori, sebuah sitar dipetik, dan mukkuri yaitu kecapi orang Yahudi yang dimainkan oleh perempuan.

Lagu-lagunya pendek, cukup sederhana, dan berpusat pada aktivitas seperti permainan atau bekerja. Tindakan bernyanyi itu sendiri digunakan sebagai permainan dalam beberapa hal, seperti Rekuhkara (Menyanyikan Ainu dengan tenggorokan) kompetisi antara perempuan. lagu Pekerjaan yang berirama, dengan lirik dan melodi yang didasarkan pada karya sesuai yang mereka dinyanyikan. Namun, setiap hari lagu-lagu tersebut lebih suci daripada arti biasa. "Nyanyian seperti upopo kar (lagu demi pembuatan) dan iyuta upopo (lagu berdebar) ... Bukan lagu tenaga kerja, melainkan, mereka adalah sihir yang berorientasi, karena mereka dinyanyikan untuk mengusir roh jahat," (Kazuyuki 283) .singakatnya, lagu sehari-hari juga merupakan cara berdoa. Lagu-lagu doa dilakukan secara teratur sebelum makan, setelah perjalanan memancing, untuk meminta keberuntungan dalam berburu, dan dalam konteks lainnya. Sayangnya materi tentang lagu sehari-hari sangat sulit didapatkan. Banyak yang tidak pernah tercatat.

lagu epik Ainu, yukar, dilakukan sebagai monolog panjang. penyanyi lagu ini melakukan sepenuhnya dari ingatan serta secara tradisional, dalam pengaturan non-formal seperti rumah teman atau sebelum perapian di sebuah pertemuan. Lainnya agak santai, epos ini masih lebih formal daripada lagu doa pendek seperti yang disebutkan sebelumnya. Baik pria maupun wanita membaca epos Ainu, meskipun kualitas vokal perempuan dianggap lebih baik dari laki-laki. Lagu-lagu epik adalah nyanyian merdu cukup berirama. Suara penyanyi biasanya berfluktuasi dalam kata-kata, dan frasa dan kalimatnya dibedakan dengan melodi. Penyanyi berusaha agar penonton memahami setiap kata. epik ini ditemani oleh alat musik, meskipun saat yang kedua penyanyi dan pendengar mungkin mengetuk repni, atau balok sederhana dari kayu, terhadap perapian atau lantai untuk membantu menjaga waktu dan menekankan epik. lukisan tertentu juga menunjukkan epos ini sedang dilakukan secara berbaring, dimana penyanyi memukul perutnya dengan tangan sesuai ketukan, tetapi praktik ini telah menjadi layu dan ketidakjelasan (Filipi 26).

Epos sendiri mengambil bentuk yang berbeda. Mengikuti model Filipi dan membagi mereka dalam dua cara yang berbeda, mereka dapat dibedakan dengan baik subjek maupun gaya. Filipi epik membagi subyek menjadi dua kelompok: narasi mitis dan narasi heroik (23). narasi Mythic adalah epos mereka yang menampilkan cerita asal usul dan kisah-kisah dewa, sementara narasi narasi heroik adalah untuk menampilkan para pahlawan mereka dalam budaya Ainu. Mythic narasi dapat dikatakan baik, dari sudut pandang seorang pengamat manusia atau dari sudut pandang sebagai. Salah satu aspek yang paling khas dari epos Ainu adalah Sudut padang dewa dari orang pertama ini. Heroic narasi menampilkan salah satu dari beberapa pahlawan budaya besar, atau protagonis berulang tentang asal-usul mitos, seperti Kotan-Kor-Kamui, atau the Owl God. Meskipun pahlawan budaya ini sering disajikan sebagai dewa, mereka lebih berwujud manusia daripada tampkanya mereka. Mereka adalah analog dengan Navajo dan Apache Coyote,dimana ia adalah tuhan, dia adalah wakil dari kepentingan manusia dan kelemahan. Gaya epos dapat dibagi menjadi dua kategori lagi. Beberapa epos adalah novelis fitur rantai rangkaian peristiwa yang melibatkan dewa dan manusia, sementara yang lain, yang mengacu pada Filipi sebagai parodi, fitur situasi abnormal - fenomena yang tak dapat dijelaskan dan berupa impian, yang disajikan tanpa sebuah narasi kronologis yang jelas (24). "parodi" epos ini sangat jarang.

Epos, serta beberapa lagu-lagu yang lebih sehari-hari, secara teratur ditampilkan dalam upacara Ainu. Misalnya, yang paling terkenal peristiwa Budaya Ainu, "upacara beruang-pengirim," disertai oleh seluruh host lagu, tidak sedikit yang merupakan "Lagu dari beruang," sebuah epik mitos. epik ini menceritakan kisah dewa beruang, dalam menyelamatkan anak laki-lakinya, dibunuh oleh pemburu manusia. Lagu kedua menyajikan situasi dari titik pandang dewa - dia bingung ketika dia dibunuh, dan tidak mengakui tubuh mati sendiri untuk apa itu - dan mengatur cara untuk upacara beruang-pengirim. Premis untuk beruang-pengirim adalah bahwa dewa beruang yang terperangkap dalam tubuh fana, dan dengan membunuh beruang dengan cara ritual hormat, manusia adalah Perbuatan baik dari tuhan orang ainu dan akan mengirim manusia itu pulang. Lagu ini digammbarkan di inau, atau diukir pada tongkat yang digunakan sebagai objek suci oleh Ainu, serta doa-doa dan upacara yang digunakan untuk mengirim rumah beruang. Dengan cara ini, upacara dan epik agak tak terpisahkan. Kegiatan upacara yang digariskan oleh epik, dan epik yang menyertai upacara untuk memperkuat itu. Meskipun epik dapat dilakukan di luar upacara, tidak bisa ada tanpa upacara sebagai konteks, dan upacara tidak dapat dilakukan tanpa epik. Epos ini seperti halnya lagu-lagu sehari-hari, merupakan warisan budaya Ainu dan memungkinkan kita untuk memahami kebiasaan dan makna mitos mereka, tetapi mereka juga bertindak sebagai indikator relatif kesejahteraan budaya Ainu.



Identitas dan marjinalisasi

Musik Ainu telah menjadi penting sepanjang tahun dimana keduanya mencerminkan dan membangun identitas budaya Ainu. Musik Ainu, secara historis telah mewakili keadaan masyarakat Ainu. Epos folkloric dari Ainu sering merujuk secara langsung dengan keadaan Ainu sebagai sebuah kelompok. Sebagai contoh, ketika pertama kali ditaklukkannya Ainu dalam periode terdahlu setelah abad ke-16, pahlawan budaya yang ditampilkan dalam jenis epos kepahlawanan dikatakan "pergi dalam marah," (Filipi 14). Selain semacam ini, representasi langsung dari identitas budaya Ainu, peningkatan variabel dan penurunan musik Ainu juga menunjukkan budaya Ainu. Pada periode puncak Ainu, epos yang paling kompleks dan fantastis diciptakan, membentang ke puluhan ribu ayat dan membangun ide-ide baru yang juga kompleks. Pada periode ini yang paling memperihatinkan untuk Ainu, pada akhir abad ke-20 ke-19 dan awal, ketika populasi menolak untuk hanya 15.000 atau lebih, musik Ainu menjadi sangat langka, bahkan upacara beruang-pengirim terkenal digambarkan sebagai kegiatan "sekali dalam -a-seumur hidup "pengalaman di 1948 (Kayano 99).

Tekanan pada musik Ainu, sepanjang sejarah mereka sebagai orang-orang di bawah kekuasaan mayoritas yang dominan, telah datang sebagian besar dari pemerintah Jepang. Pemerintah Jepang sengaja melarang bahasa Ainu, musik, dan tariannya (termasuk upacara beruang) pada tahun 1799 dalam upaya untuk menghomogenkan Ainu dengan penduduk Jepang yang lebih besar. Selain ini, ada juga yang melalui tekanan dan di lembaga pemerintah seperti sekolah (Siddle 17),  "pada setiap kesempatan yang mungkin Bakufu membujuk pribumi untuk mengikuti cara Jepang," (Shinichiro 77). Sikap, bahwa Ainu harus dilakukan sebanyak mungkin untuk menjadi Jepang, ada di pemerintahan abad ke-20. Sebuah wisata kereta api manual diterbitkan pada tahun 1941 tidak hanya mencerminkan sikap, tetapi juga gagasan bahwa Ainu bahagia untuk memiliki budaya mereka yg ditekan dengan cara seperti ini. "Mereka memiliki keengganan khusus untuk pengobatan khas, dan memiliki Japanized diri dalam segala hal Mereka telah meninggalkan kebiasaan ibu mereka dan sopan santun, melupakan lidah Ainu dan dilakukan perubahan yang lengkap dalam kehidupan sehari-hari.." Ia melanjutkan, "Mereka meminta Pemerintah sensus dimana mereka bisa menjadi subjek Jepang yg diakui. Pemerintah Ainu ini dilembagakan dan diterima sebagai orang-orang biasa ahirnyanya,. Mereka sekarang begitu menurut dengan cara Jepang bahwa karakteristik mereka sebagai ras Ainu akan hilang lama"(Kyosuke 10). Sementara kutipan ini adalah indikasi dari sikap pemerintah dimana Ainu harus sesuai dengan seluruh masyarakat Jepang, keadaan brosur itu sangat bertolak gagasan mereka bahwa mereka menyesuaikan diri sesuai Pamflet yang dilanjutkan dengan detail perbedaan, membuat nilai Ainu menjadi pamflet pariwisata, menggambarkan kebiasaan mereka dan upacara-upacara dan bahkan menunjukkan perbedaan ras mereka.

Pertunjukan Ainu

Kontradiksi semacam ini sebenarnya karakteristik dari cara pemerintah Jepang dalam memperlakukan Ainu, terutama di awal abad 20. Selain publikasi seperti brosur tersebut, pemerintah juga menciptakan pertunjukan kesenian yang menampilkan lagu Ainu dan tarian yang bertindak sebagai tempat wisata (ini terjadi, tentu saja setelah larangan musik Ainu telah terangkat). Penyanyi Ainu dan penarinya kini hanya bisa menemukan jalan bagi bakat mereka, dan dalam beberapa kasus mencari pekerjaan, dalam pertunjukan kesenian. Menunjukkan fitur suci, lagu-lagu upacara, terutama pertunjukkan beruang-pengirim mereka yang terkenal. Lagu-lagu akan diulang tiga atau empat kali sehari, pada puluhan wisatawan. Kayano Shigeru, yang sebagian telah menyebutkan "Ainu dipersonifikasikan" (Sjoberg 154), Seorang tokoh terkemuka masyarakat Ainu, mengingat partisipasi yang menunjukkan rasa malu. "Ini melampaui kata-kata bagi saya untuk menjelaskan kepada orang lain bagaimana sengsara itu membuat kita merasa untuk menyanyi dan menari - meskipun untuk uang - di depan wisatawan penasaran dari seluruh Jepang, bahkan ketika kami tidak bahagia atau bersemangat," (Kayano 119). Pemerintah itu, pada dasarnya, mendorong aspek-aspek tertentu dari kebudayaan Ainu sementara merangkap menekannya secara keseluruhan. Upacara lagu dan tarian menjadi sarana yang layak untuk membuat hidup dan menjadi lencana aib yang memalukan.”

Dalam beberapa tahun terakhir, musik Ainu telah mulai untuk mengambil bagian dalam kebangkitan budaya Ainu intens. Ainu mulai mengkalim ulang identitas mereka sebagai kelompok budaya di tahun 1960-an dan 70-an, pertemuan dengan satu sama lain, menciptakan kelompok yang terorganisir, dan bahkan mengembangkan bendera Ainu. Sementara sebagian besar reklamasi ini terjadi dengan cara pertemuan damai dan organisasi bermanfaat seperti kerja Kayano Shigeru untuk sebuah museum Ainu nasional, beberapa kelompok seperti Ainu Pembebasan, menggunakan taktik teroris seperti pemboman tanggal 23 Oktober 1972 untuk menarik perhatian dalam alasan mereka . Secar` keseluruhan, gerakan untuk identitas budaya Ainu telah dituntut melalui media budaya seperti seni, cerita, dan musik, dan taktik politik seperti blok suara dan protes tanpa kekerasan. Di tahun 70-an dan 80-an, festival dan seremonial kebangunan rohani mulai terjadi, bertindak sebagai katalis untuk kesatuan budaya (Siddle 36). Ketika upacara Ainu dilakukan secara teratur untuk pertama kalinya dalam beberapa tahun, ini memungkinkan Ainu untuk datang bersama-sama, untuk mengidentifikasi dan mengenal satu sama lain melalui jalan budaya, dan untuk obligasi melalui jalan itu juga. Selain penciptaan masyarakat dalam cara ini, dan karena lagu Ainu begitu kuat berakar dalam sejarah, Ainu mampu merebut kembali sejarah folkloric mereka melalui upacara ini (Siddle 37).

Kebangkitan budaya Ainu, dan khususnya musik, berarti lebih dari sekedar pengembangan kelompok kohesif orang Ainu. Hal itu berhasil, tidak mengherankan, juga mengakibatkan munculnya bintang pop Ainu-musik di panggung Jepang. Oki Kano, pemain paling menonjol dari musik pop yang terinspirasi Ainu di Jepang, memainkan lagu yang didasarkan pada lagu upacara Ainu. Mereka menggunakan instrumen asli Ainu, bahasa Ainu, dan materi pembelajaranAinu, tetapi juga termasuk pengaruh Barat seperti gitar dan bass, dan suara mirip dengan musik blues Amerika. Oki Kano cukup terkenal di Jepang, dan mewakili ide musik Ainu orang Jepang kebanyakan, meskipun musik itu kini sangat kebarat-baratan.

Musisi atau Komposer Terkena dalam sejarah Ainu

Akira Ifukube

1. Akira Ifukube sangat tertarik dengan musik Ainu, dan sering 
    digunakan dalam film seperti nyanyian Pulau Farou terkenal di King 
    Kong vs Godzilla.  





    

Oki Kano

 2. Oki Kano

Pengertian Genre Musik dan Jenis-Jenisnya

Genre Musik adalah pengelompokan musik sesuai dengan kemiripannya satu sama lain. Musik juga dapat dikelompokan sesuai dengan kriteria lain, misalnya geografi. Sebuah genre dapat didefinisikan oleh teknik musik, gaya, konteks, dan tema musik.

Alternative Rock

Alternative Rock adalah aliran musik rock yang muncul pada tahun 1980-an dan menjadi sangat populer di tahun 1990. Nama “alternatif” ditemukan pada tahun 1980 untuk mendeskripsikan band-band punk rock yang tidak sesuai dengan aliran punk rock pada masanya. Sebagai jenis musik yang spesifik, rock alternatif mempunyai sub-aliran yang bervariasi, dari musik indie yang bermulai pada tahun 1980 dan menjadi populer pada tahun 1990; seperti indie rock, grunge, gothic rock, dan college rock. Aliran-aliran tersebut terkonsolidasi dengan ciri khasnya masing-masing.
Walaupun aliran alternatif terhitung sebagai aliran rock, tapi beberapa sub-alirannya terpengaruh oleh musik rakyat, reggae, musik elektronik, dan jazz. Dalam periode tertentu, istilah rock alternatif digunakan untuk menyebut musik rock dari band underground pada tahun 1980an, punk rock (termasuk punk itu sendiri), dan untuk musik rock itu sendiri pada tahun 1990an dan 2000an.
Contoh Band yang menggunakan genre Alternative Rock: Nirvana

Blues

Blues adalah sebuah aliran musik vokal dan instrumental yang berasal dari Amerika Serikat (AS).
Musik blues berangkat dari musik-musik spiritual dan pujian yang muncul dari komunitas mantan budak-budak Afrika di AS. Penggunaan blue note dan penerapan pola call-and-response (di mana dua kalimat diucapkan/dinyanyikan oleh dua orang secara berurutan dan kalimat keduanya bisa dianggap sebagai “jawaban” bagi kalimat pertama) dalam musik dan lirik lagu-lagu blues adalah bukti asal usulnya yang berpangkal di Afrika Barat. Di era kini banyak Blues Lovers lahir. Mereka menyimak, belajar, menulis, memainkan, dan bikin album.
Musik blues mempunyai pengaruh yang besar terhadap musik populer Amerika dan Barat yang baru, seperti dapat terlihat dalam aliran ragtime, jazz, “blues rock”, “electric blues”, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, hip-hop, dan country, “reggae”, serta musik rock konvensional.
Contoh yang menggunakan genre Blues : (Alm)Ray Charles

Classical

Genre Classical merupakan istilah luas yang biasanya mengacu pada musik yang dibuat di atau berakar dari tradisi kesenian Barat, mencakup periode dari sekitar abad ke-9 hingga abad ke-21.
Sejarah musik classical Barat
Contoh orang yang menggunakan Genre Classical : Mozart

Country

Genre Country adalah campuran dari unsur-unsur musik Amerika yang berasal dari Amerika Serikat Bagian Selatan dan Pegunungan Appalachia. Musik ini berakar dari lagu rakyat Amerika Utara, musik kelt, musik gospel, dan berkembang sejak tahun 1920-an. Istilah musik country mulai dipakai sekitar tahun 1940-an untuk menggantikan istilah musik hillbilly yang berkesan merendahkan. Pada tahun 1970-an, istilah musik country telah menjadi istilah populer. Istilah lain untuk genre musik ini adalah country and western, namun sudah semakin jarang dipakai kecuali di Britania Raya dan Irlandia.
Contoh orang yang menggunakan Genre Country: Taylor Swift

Easy Listening

Easy Listening merupakan genre yang gampang didengar oleh para pendengar musik. Biasanya Genre ini biasa dimainkan oleh Band-Band Indonesia. Easy Listening memiliki arti gampang didengar, berarti di Lagu yang ber genre Easy Listening memiliki Lirik yang mudah dihafalkan dan nada yang Slow.
Contoh Band yang menggunakan Genre Easy Listening : Ten2Five

Rock

Genre Rock adalah genre musik populer yang mulai diketahui secara umum pada pertengahan tahun 50an. Akarnya berasal dari rhythm and blues, musik country dari tahun 40 dan 50-an serta berbagai pengaruh lainnya. Selanjutnya, musik rock juga mengambil gaya dari berbagai musik lainnya, termasuk musik rakyat (folk music), jazz dan musik klasik.
Bunyi khas dari musik rock sering berkisar sekitar gitar listrik atau gitar akustik, dan penggunaan back beat yang sangat kentara pada rhythm section dengan gitar bass dan drum, dan kibor seperti organ, piano atau sejak 70-an, synthesizer. Disamping gitar atau kibor, saksofon dan harmonika bergaya blues kadang digunakan sebagai instrumen musik solo. Dalam bentuk murninya, musik rock “mempunyai tiga chords, bakcbeat yang konsisten dan mencolok dan melody yang menarik”.
Pada akhir tahun 60-an dan awal 70-an, musk rock berkembang menjadi beberapa jenis. Yang bercampur dengan musik folk (musik daerah di amerika) menjadi folk rock, dengan blues menjadi blues-rock dan dengan jazz, menjadi jazz-rock fusion. Pada tahun 70an, rock menggabungkan pengaruh dari soul, funk, dan musik latin. Juga di tahun 70an, rock berkembang menjadi berbagai subgenre (sub-kategori) seperti soft rock, glam rock, heavy metal, hard rock, progressive rock, dan punk rock. Sub kategori rock yang mencuat ditahun 80an termasuk New Wave, hardcore punk dan alternative rock. Pada tahun 90an terdapat grunge, Britpop, indie rock dan nu metal.
Contoh Band yang menggunakan Genre Rock : My Chemical Romance

Rap

Rap adalah salah satu unsur musik hip-hop. Rap merupakan teknik vokal yang berkata-kata dengan cepat, sementara pelakunya disebut rapper. Biasanya, rap diiringi oleh DJ maupun sebuah band.
Biasanya, rapper seperti penyanyi biasa, yaitu bernyanyi solo. Contohnya adalah Xzibit dan Jay-Z. Ada pula rapper yang menjadi anggota band, misalnya Mike Shinoda dari Linkin Park. Umumnya, rapper berkulit hitam karena banyak rapper berasal dari daerah pinggiran. Di antara sedikit rapper yang berkulit putih adalah Eminem dan Sean Paul. Rapper sering disebut pula dengan MC (Master of Ceremony).
Contoh orang yang menggunakan genre Rap : Igor Saykoji

Jazz

Jazz adalah jenis musik yang tumbuh dari penggabungan blues, ragtime, dan musik Eropa, terutama musik band. Beberapa subgenre jazz adalah Dixieland, swing, bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, jazz fusion, smooth jazz, dan CafJazz.
Contoh orang yang menggunakan Genre Jazz : Bob James

Death Metal

Death metal adalah sebuah sub-genre dari musik heavy metal yang berkembang dari thrash metal pada awal 1980-an. Beberapa ciri khasnya adalah lirik lagu yang bertemakan kekerasan atau kematian, ritme gitar rendah (downtuned rhythm guitars), perkusi yang cepat, dan intensitas dinamis. Vokal biasanya dinyanyikan dengan gerutuan (death grunt) atau geraman maut (death growl). Teknik menyanyi seperti ini juga sering disebut “Cookie Monster vocals”.
Contoh Band yang menggunakan Genre Death Metal : The Berzerker

J-Pop

J-pop adalah istilah yang digunakan untuk musik populer Jepang yang memasuki arus utama musik Jepang pada tahun 1990-an. Istilah J-pop digunakan untuk membedakannya dari enka dan musik rakyat min’yo. “J-pop” modern berakar dari musik tahun 1960-an seperti yang dimainkan The Beatles,dan menggantikan kayokyoku (musik pop Jepang hingga 1980-an) dalam dunia musik Jepang. Istilah J-pop diciptakan media massa Jepang untuk membedakannya dari musik asing, dan sekarang merujuk kepada hampir semua musik populer di Jepang. Menurut data tahun 2006 dari International Federation of the Phonographic Industry, industri musik Jepang memiliki industri musik terbesar nomor dua di dunia, dan hanya berada di bawah Amerika Serikat.
Contoh kelompok yang menggunakan Genre J-Pop : Arashi

New Age

Music New Ages adalah sebuah aliran music yang mampu memberikan sebuah salah satu pengalaman sbb: positif,relaks,insipirasi,nyaman,semangat,ada unsur kebudayaan
oleh sebab itu tidaklah heran kalau kita bisa menyukai sebuah music new ages dengan bahasa yang sama sekali kita tidak mengerti, atau sebuah lagu yang sudah diciptakan beratus2 tahun yang lalu yang mungkin hanya dicipakan dengan alat music dan suara vokal seadanya
Music adalah ekspresi dari jiwa.
Mungkin anda yang pernah mendengar lagu new ages pasti sangat mengerti kenapa anda bisa mencintai music ini.
Contoh Orang yang menggunakan Genre New Age : Paul Schwartz

R&B

R&B adalah genre musik populer yang menggabungkan jazz, gospel, dan blues, yang pertama kali diperkenalkan oleh pemusik Afrika-Amerika. Pada tahun 1948, perusahaan rekaman RCA Victor memasarkan musik kaum kulit hitam yang disebut Blues and Rhythm. Pada tahun yang sama, Louis Jordan mendominasi lima besar tangga lagu R&B dengan tiga lagu, dan dua dari lagunya berdasar pada ritme boogie-woogie yang terkenal pada tahun 1940-an. Band Jordan, Tympany Five (1938) terdiri dari dirinya sebagai vokal dan pemain saksofon beserta musisi-musisi lain sebagai pemain trompet, saksofon tenor, piano, bas, dan drum.Istilah ini pertama kali dipakai sebagai istilah pemasaran dalam musik di Amerika Serikat pada tahun 1947 oleh Jerry Wexler yang bekerja pada majalah Billboard. Istilah ini menggantikan istilah musik ras dan kategori Billboard Harlem Hit Parade pada Juni 1949. Tahun 1948, RCA Victor memasarkan musik kulit hitam dengan nama Blues and Rhythm. Frasa tersebut dibalik oleh Wexler di Atlantic Records, yang menjadi perusahaan rekaman yang memimpin bidang R&B pada tahun-tahun awal.
Contoh Orang yang menggunakan genre R&B : Justin Timberlake

J-Rock

J-Rock atau Japanese rock digunakan untuk menyebut genre musik rock yang ada di Jepang.
Aliran musik J-Rock menjadi populer di Indonesia berkat kepopuleran penayangan anime di televisi dengan lagu tema (soundtrack) yang dibawakan penyanyi dan kelompok musik Jepang.Sejarah J-Rock dimulai tahun 1957 dengan dikenalnya musik rock di Jepang bersamaan dengan puncak kepopuleran rockabilly yang merupakan salah satu gaya rock ‘n’ roll.
Rockabilly yang dimulai di berbagai kelab jazz melahirkan penyanyi rockabilly seperti Mickey Curtis, Masaaki Hirao, dan Keijiro Yamashita. Pada bulan Februari 1958, ketiganya tampil dalam konser Westan Kanibaru I (Western Carnival I) di gedung pertunjukan bernama Nihon Gekijo, Tokyo.
Di akhir dekade 1950-an, kepopuleran rockabilly yang mulai surut digantikan era Kaba Popsu (cover pops) yang terdiri dari berbagai jenis musik. Di antara tokoh cover pops terdapat musisi seperti Yuya Uchida dan Isao Bito yang berakar pada genre rockabilly. Selain itu, cover pops dengan gaya Liverpool Sound lahir mengikuti kepopuleran grup-grup musik seperti The Beatles di sekitar tahun 1963.
Contoh Band Yang menggunakan Genre J-rock : Flow & J-Rocks

Reggae

Reggae merupakan irama musik yang berkembang di Jamaika. Reggae mungkin jadi bekas di perasaan lebar ke menunjuk ke sebagian terbesar musik Jamaika, termasuk Ska, rocksteady, dub, dancehall, dan ragga. Barangkali istilah pula berada dalam membeda-bedakan gaya teliti begitu berasal dari akhir 1960-an. Reggae berdiri di bawah gaya irama yang berkarakter mulut prajurit tunggakan pukulan, dikenal sebagai “skank”, bermain oleh irama gitar, dan pemukul drum bass di atas tiga pukulan masing-masing ukuran, dikenal dengan sebutan “sekali mengeluarkan”. Karakteristik, ini memukul lambat dari reggae pendahuluan, ska dan rocksteady.
Contoh Band yang menggunakan genre Reggae : Steven And Coconut Treez

Techno

Genre Techno adalah aliran Musik yang menggunakan tema futuristik. Musik Techno juga dipakai di Club-Club malam dan biasanya Musik ini dimainkan oleh seorang DJ. Musik ini tidak dimainkan dengan alat musik tradisional seperti Gendang, Gitar, Sasando, dll. Dia menggunakan alat musik Digital seperti Dj Maker yang biasa dipakai untuk me-remix musik yang sudah ada menjadi musik yang bertema Futuristik.
Contoh orang yang menggunakan Genre Techno: Daft Punk

World

Dunia musik adalah istilah umum untuk kategori musik global, seperti musik tradisional atau musik rakyat dari sebuah budaya yang diciptakan dan dimainkan oleh musisi adat dan erat terkait dengan musik dari daerah asal mereka. Genre ini biasanya lebih mengandung lagu-lagu rakyat yang sangat lama, Misalnya Sekitar 0-800 Masehi bahkan bisa sebelum Masehi
Contoh Orang yang menggunakan genre World : Aeson

Dangdut

Dangdut merupakan salah satu dari genre seni musik yang berkembang di Indonesia. Bentuk musik ini berakar dari musik Melayu pada tahun 1940-an. Dalam evolusi menuju bentuk kontemporer sekarang masuk pengaruh unsur-unsur musik India (terutama dari penggunaan tabla) dan Arab (pada cengkok dan harmonisasi). Perubahan arus politik Indonesia di akhir tahun 1960-an membuka masuknya pengaruh musik barat yang kuat dengan masuknya penggunaan gitar listrik dan juga bentuk pemasarannya. Sejak tahun 1970-an dangdut boleh dikatakan telah matang dalam bentuknya yang kontemporer. Sebagai musik populer, dangdut sangat terbuka terhadap pengaruh bentuk musik lain, mulai dari keroncong, langgam, degung, gambus, rock, pop, bahkan house music.
Penyebutan nama “dangdut” merupakan onomatope dari suara permainan tabla (dalam dunia dangdut disebut gendang saja) yang khas dan didominasi oleh bunyi dang dan ndut. Nama ini sebetulnya adalah sebutan sinis dalam sebuah artikel majalah awal 1970-an bagi bentuk musik melayu yang sangat populer di kalangan masyarakat kelas pekerja saat itu.
Contoh orang yang menggunakan Genre Dangdut: Rhoma Irama

Alat musik tradisional Jepang : SHAMISEN,KOTO & SHAKUHACHI

Tentang sejarah KOTO
KOTO adalah alat musik yang menyerupai kecapi di Indonesia, disebutkan masuk ke Jepang sejak abad ke-7. Di masa itu, KOTO dimainkan sebagai salah satu bagian musik Istana. Formasi KOTO yang dimainkan sebagai alat musik tunggal, tanpa iringan alat musik lain, menjadi populer di masyarakat sejak abad 17. Pada abad 17 lahir maestro KOTO dan pencipta “HACHIDAN”(delapan babak)”dan “MIDARE” (lagu berirama lepas) YATSUHASHI KENGYO. Ia menciptakan pakem dasar untuk SOKYOKU (lagu-lagu KOTO).
Pada dasarnya musik tradisional Jepang memiliki 5 tangga nada, kurang 2 tangga nada dibandingkan dengan musik barat yang mempunyai 7 tangga nada “do re mi fa so la si”. Namun, musik Jepang tradisional juga menyerap beragam tangga nada lainnya sehingga menghasilkan irama yang sangat berbelit. Dasar-dasar musik istana atau musik aristokrat diciptakan dengan menggunakan nada “do re mi so la” atau “re mi so la si”. Cara ini disebut “YO-ONKAI” yang memiliki nada yang relatif riang. Sedangkan YATSUHASHI KENGYO membuat “HIRAJOSHI” atau nada datar yang di dalam tangga nadanya menggunakan “mi fa la si do” yang di antaranya ada semitone sebagai nada dasar. Nada ini disebut “IN-ONKAI” yang lebih sendu dan menggugah emosi sehingga masyarakat Jepang di jaman itu kerap terharu mendengarkan nada ini. Setelah YATSUHASHI KENGYO memperkenalkan “HIRAJOSHI”, SOKYOKU sangat berkembang dan dicintai sehingga diakui sebagai musik rakyat Jepang.
YATSUHASHI KENGYO bisa disebut sebagai pencipta SOKYOKU dan meninggal dunia pada tahun 1685. Jika kita menengok ke negara barat, Bach, yang dikenal sebagai pencipta musik barat lahir pada tahun saat YATSUHASHI KENGYO meninggal.

Seputar alat musik KOTO
Bagian badan terbuat dari “KIRI” atau kayu paulownia yang dilubangi bagian dalamnya. KOTO memiliki 13 dawai. Karena KOTO menggunakan 5 tangga nada maka dengan 13 dawai biasanya KOTO dapat menghasilkan sekitar 2.5 oktaf. Antara bagian badan dan dawai ada “JI” sebagai penyangga dawai. Jika “JI’ digeser maka hasil suara pun berubah. Mengatur nada (tuning), yang merupakan persiapan dasar untuk permainan Koto, juga dilakukan dengan menggeser posisi “JI”. Selain “HIRAJOSHI”, ada berbagai aturan nada(tuning) yang dikembangkan dari “HIRAJOSHI”.
Dengan menggunakan tangan kiri yang menekan dan menarik dawai, tangga nada dapat berubah atau pun menghasilkan suara bernuansa vibrato. Pada awalnya dawai dibuat dari sutera, tetapi zaman sekarang dawai juga menggunakan bahan lain seperti bahan sintetis. Pemain dapat menggunakan “TSUME” atau kuku palsu untuk 3 jari di tangan kanan. Pada dasarnya KOTO dimainkan dengan menggunakan “TSUME” yang terkadang digunakan pada jari lain atau pun pada jari-jari di tangan kiri. Di dalam lagu SOKYOKU terkadang ada juga suara nyanyian.
KOTO memang dimainkan bukan untuk mengiringi nyanyian, tetapi suara nyanyian juga dianggap sebagai salah satu jenis alat musik. Dalam artian, alat musik dan suara sama-sama dianggap berperan penting untuk menghasilkan musik. Di Jepang, sejak zaman dahulu hingga saat ini KOTO sering diibaratkan sebagai “RYU” atau “Naga” sehingga bagian-bagian alat musik ini juga dinamai “RYUKAKU” (tanduk Naga), “RYUKOU” (mulut Naga), “RYUBI” (ekor Naga), dll. Di berbagai negara di Asia, naga dihormati seperti dewa dan dianggap sebagai mahluk mitos spiritual tinggi. Dengan demikian bisa dibayangkan bila KOTO juga sangat dicintai oleh masyarakat Jepang.

Seputar alat musik SHAMISEN
Orang Jepang kerap tergetar ketika melihat bentuk SHAMISEN yang sangat indah, bahkan ada yang berkata bahwa bentuk ini terinspirasi dari bentuk tubuh wanita. SHAMISEN mempunyai 3 dawai dengan ketebalan berbeda. Dawai yang paling tebal menghasilkan suara yang paling rendah dan dawai yang paling tipis menghasilkan suara yang paling tinggi.
Di antara bagian badan dan dawai ada “KOMA” untuk menghasilkan suara SHAMISEN. Waktu memainkan SHAMISEN kita harus memegang BACHI-pemetik dawai-dengan tangan kanan, dan menyapu dawai dari arah atas ke bawah atau dari arah bawah ke atas dengan ujung BACHI sehingga mengeluarkan suara. SAO yang panjang ini adalah bagian penampang kayu (fingerboard/neck) yang dipegang oleh tangan kiri. Pada bagian SAO tidak ada tanda untuk menunjukkan posisi tempat pegangan, tidak seperti gitar yang mempunyai fret. Pemain dapat menghasilkan suara SHAMISEN yang tepat dengan mengandalkan intuisi serta pendengaran yang dihasilkan dari pengalamannya. Bagian yang dipegang untuk menghasilkan suatu nada di dalam SAO ini disebut “TSUBO” atau “KANDOKORO”. Dengan tangan kiri pemain bukan hanya menekan dawai, tetapi juga menjepit dan meluncurkan jari serta menggoyangnya untuk merubah nada. Cara lain adalah dengan mengetuk dan memetiknya.
SHAMISEN terbuat dari “KOBOKU” atau ”Red Sanders” sejenis kayu yang sangat keras berasal dari India Selatan untuk menahan kuku pemain yang mencengkeram kuat. Dawai terbuat dari sutra dan “DO” (bagian badan) dibuat dari kulit binatang. Memang hampir semua alat musik tradisional Jepang seperti SHAMISEN dibuat dari bahan-bahan alami. SHAMISEN yang dimainkan menggunakan BACHI (pemetik dawai) berasal dari “SANSHIN”, alat musik tradisional daerah OKINAWA (daerah paling selatan di Jepang) yang menggunakan kulit ular. Pada abad 16 SANSHIN sudah populer di OKINAWA dan bentuk ini berkembang menjadi SHAMISEN khas Jepang yang dikenal saat ini. SHAMISEN tidak seperti KOTO yang berawal sebagai alat musik istana,yang dimainkan oleh kalangan elit. Dari awal SHAMISEN berkembang sebagai alat musik di antara kalangan rakyat biasa.
Musik SHAMISEN memiliki berbagai genre dan ada beberapa jenis alat SHAMISEN yang ukuran dan ketebalannya berbeda. Genre musik SHAMISEN yang akan dimainkan hari ini termasuk dalam kategori “JIUTA”. Ada jenis musik SHAMISEN yang berkembang sebagai pengiring atau suara efek di teater, tetapi “JIUTA” ini berkembang sebagai musik murni yang dimainkan bersama KOTO atau SHAKUHACHI, alat musik tiup tradisional Jepang. “SANKYOKU” adalah salah satu bentuk musik “ansambel” yang dimainkan menggunakan tiga alat musik tradisional Jepang yaitu SHAMISEN, KOTO dan SHAKUHACHI. Diperlukan waktu cukup lama sampai terlahir ansambel tiga alat musik ini karena masing-masing sudah dikenal masyarakat sebagai alat musik tunggal. Namun demikian, bergabungnya tiga alat musik ini, justru menghasilkan kualitas musik yang lebih kaya dan meluas.

Seputar alat musik SHAKUHACHI
Model SHAKUHACHI (seruling Jepang) yang dikenal masyarakat saat ini disebut “FUKESHAKUHACHI”, berasal dari zaman pertengahan era KAMAKURA. Pada zaman tersebut seorang biksu ZEN bernama Kakushin, belajar di negeri Cina dan mempelajari lagu SHAKUHACHI untuk menyampaikan ajaran FUKE, guru agama Budha aliran ZEN. Kakushin mempelajarinya dari seorang guru Cina, CHOSHIN, dan membawa pulang lagu dan alat musiknya ke Jepang. Sejak itu SHAKUHACHI digunakan sebagai alat penyebaran agama oleh biksu-biksu aliran HOTTOHA RINZAISHU, salah satu bagian dari aliran ZEN. Dari sejarah ini juga bisa diketahui bahwa semua lagu klasik SHAKUHACHI yang disebut “SHAKUHACHI KOTEN HONKYOKU (lagu klasik khusus SHAKUHACHI)” memuat ajaran agama Budha Zen. Ukuran panjang FUKE-CHAKUHACHI adalah kurang-lebih 54cm atau dalam satuan ukuran tradisional Jepang,1 SHAKU 8 SUN. Namun akhir-akhir ini ukuran panjang SHAKUHACHI bervariasi dan nada dasar ditentukan berdasarkan ukuran panjang tersebut.
SHAKUHACHI dibuat dari bambu, di bagian dekat akar, dengan diameter 3.5cm-4,0cm. Ada 5 lubang, 4 di bagian depan dan 1 di bagian belakang. Sisi dalam SHAKUHACHI digosok sampai halus, bahkan belakangan ini bagian dalamny` diolesi SHU-URUSHI (bahan pewarna alam berwarna merah) atau KURO-URUSHI (bahan pewarna alam yang berwarna hitam), agar menghasilkan suara yang halus dan indah. Dulu, bagian mulut SHAKUHACHI dipotong menyerong, tetapi sekarang pada bagian mulut dipasangi tanduk rusa atau kerbau supaya lebih kokoh. SHAKUHACHI merupakan seruling yang dapat menghasilkan warna suara yang bervariasi dan nada suara yang paling sensitif di antara seruling tradisional Jepang, baik seruling tiup samping (horizontal) maupun seruling tiup depan (vertikal). Oleh karena ciri khas itu SHAKUHACHI mempunyai posisi tersendiri di dalam alat musik tradisional Jepang.

Musik populer

Musik populer atau Musik pop adalah nama bagi aliran-aliran musik yang didengar luas oleh pendengarnya dan kebanyak bersifat komersial.
Musik populer pertama kali berkembang di Amerika Serikat pada tahun 1920 di mana rekaman pertama kali dibuat berdasarkan penemuan Thomas Edison, dibedakan dengan Musik Klasik, Musik Jazz, Musik Tradisional, Musik Blues, kemudian juga berkembang ke negara-negara lain sedunia.

Sejarah Musik Klasik sejak Musik Gregorian tahun 590

Musik Klasik dimulai dengan penemuan Notasi Gregorian tahun 590 oleh Paus Agung Gregori, berupa balok not dengan 4 garis, namun notasi belum ada hitungannya. Paus Gregory semasa hidupnya telah mencatat lagu-lagu Gereja dengan Notasi Gregorian tersebut sebelum tahun 590 musik mengalami kegelapan tidak ada peninggalan tertulis yang dapat dibaca.

Notasi Gregorian Tahun 590

Notasi musik lahir pada tahun 590 yang disebut Notasi Gregorian, yang ditemukan oleh Paus Agung Gregori, di mana sebelumnya musik mengalami kegelapan tidak ada peninggalan tertulis. Pada masa hidupnya Paus Gregori telah menyalin ratusan lagu-lagu Gereja dalam Notasi Gregorian tersebut. Notasi ini memekai 4 garis sebagai balok not, tetapi belum ada notasi iramanya (hitungan berdasarkan perasaan penyanyi. Di sini sifat lagu masih sebagai lagu tunggal atau monofoni.Notasi gregorian biasanya digunakan sebagai notasi untuk memainkan lagu gereja

Musik Organum 1150-1400

Pada awalnya orang menyanyi dengan nada yang sama, atau disebut dengan organum, nada atas dinyanyikan oleh wanita atau anak-anak, sedangkan nada rendah dinyanyikan oleh laki-laki. Di sini terjadi susunan lagu berjarak oktaf, suara tinggi (wanita/anak-anak) dan suara rendah (laki-laki).dan beberapa teknik suara lainya.

Musik Diafoni 1400-1600

Ternyata tidak semua dapat mengikuti suara tinggi atau suara rendah.Oleh sebab itu diputuskan untuk membuat suara yang kuart lebih rendah mengikuti melodi, kuart tinggi maunpun kuart rendah, dan musik yang demikian ini disebut musik diafoni (dia=dua, foni=suara).

Basso Ostinato Tahun 1600

Orang-orang Italia pada tahun sekitar 1600 menemukan apa yang disebut Basso Ostinato atau Bass yang bergerak gendeng atau gila, berupa rangkaian nada-nada yang bergerak selangkah demi selangkah ke bawah atau ke atas, kemudian diulang pada rangkaian nada lain.

Musik Polifoni Era Barok 1600-1750

Ternyata suara yang mengikuti sama dengan melodi menjadi membosankan, maka mulailah suara tidak bergerak secara sejajar, maka mulailah dengan arah yang berlawanan. Komponis Giovani Perluigi da Palestrina (1515-1594) adalah perintis tentang hal ini, dan disusun teori mengenai musik melodi banyak (polifoni), sehingga setiap nada atau titik (punctus=point) bergerak secara mandiri atau berlawanan (counter), di sinilah lahir teori kontrapun (counterpoint=kontrapunt).
Johan Sebastian Bach (1685-1750) adalah salah satu empu musik polifoni dengan teknik kontrapun yang sangat tinggi, karema disusun seperti matematik. Hampir semua komponis Era Barok (1600-1750) menyusun dengan teknik kontrapun, misalnya George Frederic Handle dari Inggris, Jean Remeau dari Pernacis, Correli dari Itali, dlsb. Lagu rakyat dengan gaya polifoni adalah Papa Yakob.
Pada awalnya orang menyusun dengan Kontrapun Terikat atau Strict Counterpoint, namun kemudian menadapat kebebasan berdasarkan teori Kontrapun Bebas atau Free Counterpoint.

Musik Homofoni Era Klasik 1750-1825

Selanjutnya pada Era Klasik (1750-1825) ditemukan susunan akord yang berdasarkan tri-suara (triad), selanjutnya berkembang dengan empat suara atau lebih. Musik yang demikian ini disebut Musik Homofoni, sehingga kontrapun menjadi variasi melodi yang kontrapuntis.

Musik Klasik Era Romantik 1820-1910

Hampir tidak banyak perubahan dalam kontrapun dan harmoni secara fundamental pada Era Romantik (1820-1910), namun ada kemajuan dalam orketrasi lengkap (dengan penemuan alat musik). Era ini adalah yang terakhir dan masih dapat diterima dengan pendengaran masyarakat umum. Terutama pada musik opera, musik balet, dan walsa wina.

Musik Klasik Modern 1910-sekarang

Musik Modern dengan Musik Atonal dan Politonal telah jauh dari penggemar musik yang menyenangi musik konvensional, karena suara yang disonan dan irama yang tidak teratur membutuhkan konsentrasi dalam mendengar.